Jose Maria Casas. Two.

Entrevista por Nahuel Santiago para "Originarte" - 06/08/2012

• Las manchas de acrílico seco y añejo por paredes y piso, las virutas de madera provenientes de los nuevos soportes y los cuadros amontonados por todos lados, forman el paisaje actual del taller de José María Casas. Cada tanto se escucha alguna bocina que viene desde la Avenida Colón, que sumado a los cantos de pájaros provenientes de la plaza Mitre, constituyen la música de esta tarde marplatense. Por su parte los barnices aun frescos de las últimas obras, aportan el aroma típico de taller. Un taller que no sabe de descansos, ya sea produciendo nuevas obras o en su rol de periodista trabajando, compaginando y editando la información, como “Postal 7600” (revista digital de arte contemporáneo), último proyecto informativo cultural en el que se embarco Casas o mejor dicho TWO, como se lo conoce en el mundillo artístico….
  
  N:- ¿Porque te dicen Two?
  
  T:-Me decían asi en la primaria, nos juntábamos en mi casa a las 2 de la tarde y el a las two en lo de José fue derivando en a las two… el two.. two.. y quedo. Un par de años más tarde cuando me encontré frente a mi primera ventana de mi IRC y la necesidad de un nick no dude en usarlo como nombre “two-”… lo mismo paso con la obra… Mientras era alumno de taller firmaba como “casas” o “José m. casas”, pero cuando di el salto y comencé con mi búsqueda personal adopte ese “two-” como identidad y comencé a firmar como tal. Hoy la identificación es tal que es la única palabra que llevo tatuada en mi cuerpo, en la nuca más precisamente, el resto de mis tatuajes son todos dibujos de mi autoría.. Algo asi como llevar la propia obra a flor de piel.
  
  N:- Tenes tatuadas tus propias obras… ¿Pero como fue tu inicio en el arte?
  T:-Comencé de muy chico (1987) en un taller de cerámica, luego de 3 años (1989) comencé dibujo en el mismo lugar, y en el 93 arranque con pintura también allí. Mi formación “básica” ocurrió ahí, todo lo referido a perspectiva, color, figura humana, equilibrio, composición, etc., lo adquirí de chico. En paralelo a este estimulo mi familia siempre que me llevo de viaje prefirió optar por destinos culturales, lugares con historia, con museos, y siempre alimentaron mi gusto por el arte y otras culturas. Con esta base llegamos a una adolescencia donde ya me encontraba creando y haciéndolo simplemente porque me gustaba, no pensaba si era artista o no, ni si podía llegar a vivir de eso… sencillamente era lo que yo era y lo que hacía.
  
  Luego vino la hora de elegir que estudiar, y preferí no entrar a bellas artes x que ya había comenzado a soltarme y a buscar mi propio lenguaje y no quería pasar nuevamente por un proceso de educación formal donde iba a ver mas o menos lo mismo que había aprendido de chico, asi que ingrese en derecho y hoy estoy terminando la licenciatura en psicología. Y vinieron también las muestras, y ahí si que cambio todo. Exponer me devolvió otra imagen de lo que hacía… El mostrar e intercambiar con otros me permitió tomar noción de que lo que estaba haciendo iba enserio y no era un gusto personal o un mero hobbie.
  
  Mirando hacia atrás puedo decir que fue un proceso… Primero fui aprendiendo a hacer y a conectarme con mi mundo interior y con mis ganas, y después fui tomando conciencia de lo que estaba haciendo y a descubrir su potencialidad. Una vez ahí comencé a manejarlo de manera mas consiente, a estudiar, hacer clínica, etc., para ir refinando y puliendo mi lenguaje.
  
  N:-En este proceso de búsqueda del lenguaje, sos de lo que creen en el “don divino” de los artistas…..
  
  T:-El don divino no es mas que soberbia, cualquiera que transite este camino no hace mas que ir dándose cada día mas cuenta de lo humano que es. La creatividad y la posibilidad de expresarse esta en todos desde niños, la educación formal la aplasta, y luego de ese lapso esta en uno el descubrir cual lenguaje le permite construir y canalizar mejor lo que observa y sus historias.
  
  N:-Ya que hablas de “canalizar y observar” ¿De qué forma influyen tus conocimientos dentro del campo de la psicología a la hora de producir tu obra?
  
  T:-De muchas maneras, realmente estoy muy contento de haber estudiado otra cosa… te abre la cabeza y te permite tener una visión extraterritorial del mundo del arte. Te permite no caer en la falsa creencia de que el mundillo del arte es todo, y también te evita generar una obra autorreferencial producida solamente para ser entendida en ese contexto. La psicología no solo te permite estudiar y pensar desde distintas fuentes el proceso creativo, el valor simbólico de las obras, la interrelación obra-publico, el vinculo maestro-alumno, sino que también te permite decostruir un montón de situaciones y simbolizaciones que en el mundo del arte están tan naturalizadas que se toman por reales, y eso es simplemente genial. Poder mirar desde fuera cómo funciona el circuito e interrogarlo, entender que hacen los galeristas y que te intentan vender, comprender que le pasa a un artista que se la cree, etc., son herramientas invaluables y poderosas que me permitieron entre muchas cosas el valorar mi lugar como artista independiente.
  
  A su vez el arte también me sirvió para alimentar de experiencias lo que estudie en la facultad, digamos que hay un ida y vuelta que me permitió ir cuestionando aspectos del arte y su mundo, y aspectos de la psicología y algunos de sus supuestos. Algo es claro: cada nuevo autor que me voló la cabeza y me abrió nuevos espectros alimento también mi obra. Estudiar y vivir fueron fundamentales para no hacer siempre lo mismo.
  
  N:- ¿Construís algún mecanismo a la hora de comenzar con obra nuevas?
  
  T:-Estar en el taller, escuchar música, pensar, sentir, buscar, y analizar. Todo ocurre poniéndose a trabajar.
  
  N:- ¿Y con los materiales, cual es la relación que estableces?
  T:-Mi relación actual con los materiales es de tipo experimental. Trabajo mucho con reacciones físicas y químicas, por lo cual el color para mi no es solo un color, sino un pigmento, una materia que puedo hacer interaccionar con otras sustancias para generar distintos efectos y reacciones.
  
  N:-Sé que un gran cambio de estos últimos tiempos en tu imagen es el soporte, madera por tela ¿Que te produjo ese cambio? ¿Que podes contar al respecto?
  
  T:-Haciendo retrospectiva podría decir que era un paso pensable o esperable, pero como casi todo, termino ocurriendo un poco al azar. Los precios de los bastidores se estaban yendo a las nubes, los tamaños que usaba no eran muy conseguibles, y el preparado de las telas con los posteriores gastos en mandarlas a montar me hacían perder un tiempo que no tenía. Por otro lado venia teniendo problemas para lograr que las últimas versiones de mi técnica dieran buenos resultados en tamaños muy pequeños, y para ciertas muestras de pequeño formato en el extranjero precisaba poder lograrlos. Así que se me ocurrió ir a una maderera a ver los costos y que tenían para ofrecer y me encontré con la grata sorpresa de que comprando una plancha de 2,20×1, 60 la podía cortar en todos los tamaños que quisiera, mi romance con el fenolico fue instantáneo. Para empezar me permitió recuperar toda la superficie del soporte, venia de años de formas un tanto redondeadas con aire al rededor y el hecho de que la madera no cediera con el peso de los líquidos me permitió trabajar de otra manera. Su absorción también era distinta lo que me permitió darle mas nitidez al trabajo, incorporar nuevos materiales, y renovar en mucho mi técnica. Por último me encontré con su superficie y sus vetas. En un principio las fondeaba y texturaba para que parecieran tela, luego las deje de fondear y comencé a usar las texturas de su superficie y sus tonalidades. Hoy estoy incluso trabajándolas a martillo y cincel para meterme dentro de ella.
  
  N:-¿Y a la hora de comercializar tus obras, como te llevas con el mercado del arte, galeristas, marchands etc?
  T:-Sinceramente no me llevo. Nunca me funcionaron ni me sirvieron. Jamás un galerista trabajo de buena manera, ni cuido mi obra, ni se preocupo realmente por mi carrera. Siempre me encontré con avivadas o agachadas, y las supuestas galerías que trabajan bien, si es que existen, en mi caso no están. Así que hoy mi conexión con el mercado es mi taller por un lado, y mis muestras por otro. Siempre me maneje de manera independiente y auto gestionada, por lo cual las ventas en mis muestras siempre fueron por mi cuenta.
  
  N:- Contanos sobre tu última muestra
  
  T:-Se llamo “Desembarco” y tuvo lugar en Babel Art Space, San Telmo, Buenos Aires. Fue una selección de mis últimos trabajos sobre tela, y algunas obras de mis nuevas series sobre madera. Estuvo muy interesante, te permiten apropiarte del lugar, no solo de las salas sino también de las habitaciones, por lo cual uno puede trabajar el edificio completo e intervenirlo con su obra.
  
  Casas, a la par de su actividad como artista, desde hace varios años viene ejerciendo un rol de periodista, varios son sus emprendimientos, como el caso de Periodismo: Es director de la revista digital de Arte Contemporáneo “Postal 7600″ y del Blog y Agenda de Cultura Local “Arte Mar del Plata”. Escribe sobre arte para la revistas BRANDO y Ramona Web. Fue también columnista especializado en arte en FM D-Rock
  
  N:-¿Como es tu rol de periodista (Blogs, foros, notas etc) dentro del arte?
  T:-Es una apuesta por la difusión de lo que esta pasando y se esta haciendo. Soy muy crítico de que se cobre por exponer, y de que se cobre por hacer prensa. Entonces trabajo para intentar darle difusión a lo que pasa en la ciudad para que pueda competir de manera mas pareja con aquellos emprendimientos mas “comerciales” donde se tiene toda la fuerza y visibilidad de lo “pago”. Por otro lado existe cierta tendencia en la ciudad a encerrarse en un circuito de público, a que los que asisten sean siempre los mismos, por un lado, y que por otro exista un público ávido de consumir cultura pero que no se entera hasta “el día después”… Hacer prensa intenta romper un poco con eso.
  
  N:-¿Qué opinas sobre el estado del arte actualmente y sobre el arte argentino puntualmente?
  
  T:-En lo que respecta a lo artístico tiene muy buen nivel, hay muy buena obra. A nivel de circulación e institucionalización existe un amiguismo y un tráfico de influencias que me parece despreciable. Los nombres son siempre los mismos, y basta con ver las obras para ver a simple vista que muchas veces se premia lo que se hizo antes y no lo que se selecciono para enviar en dicha ocasión. Es por eso que lo mas interesante ocurre en el circuito auto gestionado e independiente, en el “under”, lo mas actual y fresco puede encontrarse allí.
  
  N:-¿Y en Mar del Plata?
  
  T:-Buenos artistas, obra variada, escasos lugares, y cero mercado. Los pocos lugares que hay surgen de la voluntad individual o grupal, son autos gestionados e independientes, y por lo general van alternándose en el tiempo con una duración de entre 2 y 5 años antes de desaparecer. Algunos otros, con un marco un poco más institucional, logran perdurar un poco más.
  
  N:-Por último ¿Como crees que va a afectar al panorama artístico de la ciudad y el nuevo museo de arte contemporáneo (actualmente está en construcción)?
  
  T:-Sinceramente es un misterio, no hay señales respecto a como será la gestión del mismo, solo rumores, y se mantiene todo muy hermético. Podrían pasar varias cosas una es que se nombre un director y se le permita desarrollar su gestión y se lo apoye, como ocurrió en Bahía Blanca donde la gestión se mantuvo incólume a pesar del fuerte lobby en contra realizado por el diario mas importante de dicha ciudad (La Nueva Provincia), y la otra seria lo opuesto, o sea lo que ocurren en el Centro Provincial de las Artes Teatro Auditórium donde todas las gestiones chocan durante el verano con imposiciones y caprichos de las autoridades de la ciudad de La Plata que los obligan a contratar propuestas culturales que no tienen nada que ver con la línea de gestión sostenida durante el año y que les insumen casi todo su presupuesto anual. Hace algunos años la dirección de Susana López Merino, quien había hecho repuntar muchísimo la propuesta cultural de dicho espacio, llego a su fin cuando intentaron imponerle por la fuerza a los Midachi y ella explicito que creía que un show tan rentable no precisaba del apoyo del estado para realizarse, y que no tenía nada que ver con la línea de gestión cultural que su año de dirección había tenido. Y ese es solo un ejemplo.
  
  Entonces el primer escollo es saber quien será el director, luego habrá que ver si se lo dejara hacer o no, y luego ver si ese hacer integra el que hacer local generando muestras y contenidos, o si por el contrario el museo solo se dedicara a bajar muestras ya armadas y no a gestionar. Lo ideal sería que se nombre un director idóneo, seleccionado por concurso, y que se le de libertad de gestión, eso ya sumaria muchísimo a la ciudad al permitir a los actores locales acceder a contenidos contemporáneos de primer nivel. Si hace se le pudiera sumar una gestión que apostara además por desarrollar la escena local dándole lugar podríamos estar hablando de un golazo completo.
  
  Sin embargo ese espacio y desarrollo de la escena local debería ser autónomo del museo, o sea: desarrollando sus propias herramientas y no dando lugar al gobierno local. Y ahí es donde surge el otro gran TEMA asomando en el horizonte como un mal augurio, este es el de la posible injerencia de la Secretaria de Cultura local. Aunque la obra es Provincial y la Institución debería serlo como lo es el Auditórium, el municipio ha salido a pegarse a la obra y a mostrarse en cada acto respecto a la misma para intentar sacar rédito mediático y mostrar un interés por la cultura que en estos 4 años de gestión han demostrado que no tienen.
  
  Y porque decimos que este es un tema? porque es una injerencia peligrosa. La secretaria de cultura local siempre ha sido nefasta, y en esta gestión eso no ha hecho mas que agravarse al sumar a su ineficiencia y falta de accionar una sistemática persecución de los actores culturales locales que eran quienes mantenían viva la escena supliendo el trabajo que la Secretaria no realizaba. Si la ciudad no tuviera su Centro Provincial de las Artes (que responde a una gestión provincial) el bache Cultural sería enorme, sin embargo la presencia del mismo, y la labor ad-honoren de los distintos actores culturales de la ciudad, han siempre escondido esta realidad. Si el museo fuera realmente provincial podría quedar a salvo de las malas influencias y el poco cerebro de quienes manejan los destinos de la Secretaria de Cultura local, pero todo indica que esto no será así y la cosa podría complicarse. Cómo? veamos un ejemplo…
  
  De la poca información que se tiene, la mas reciente es la que ha dado el inútil e inepto del intendente Gustavo Pulti, quien salió a chapear en público con que el Museo va a contar en su colección con obras de grandes artistas como Castagnino, señal alarmante si uno considera que se trata de un Museo de Arte Contemporáneo y que el Museo Municipal de Arte ya destina uno de sus 3 pisos a Castagnino. A primeras y claras uno comienza a pensar en Alvaro Castagnino (hijo del Gran Pintor, propietario de Subastas Roldan, y hombre fuerte de la retrograda Asociación Argentina de Galerías de Arte) que siempre ha tenido un poder de Lobby impresionante en la ciudad y dispuesto (e impuesto) muestras a gusto y piaccere en las salas publicas de la ciudad, como uno de los que se encuentran detrás del armado y venta de un “paquete” de obras como acervo del museo sin que estas pasen por manos de un director y curador para su selección. De confirmarse estas sospechas estaríamos de lleno en el terreno de los tejes-y-manejes de la secretaria de Cultura Local la cual usa sus salas y espacios para realizar negociados y no para llevar a cabo una propuesta cultural… Y eso sería sinceramente nefasto para un museo que debe forjarse su imagen… Estaríamos hablando de la compra de un acervo patrimonial “digitado” por intereses ajenos al estado, o sea: un negociado privado con dinero público, y totalmente de lleno en la forma de hacer las cosas que ya es marca registrada de esta ciudad.
• Entrevista por Nahuel Santiago para "Originarte", 6 de Agosto/2012.

Entrevista por Maria M. Blasco - 9/06/2010

• - Tus obras se logran ver en lugares muy diversos: desde el Centro Cultural Borges en Buenos Aires, pasando por museos de EEUU, Italia, Dinamarca y Turquía; hasta el boliches bailables como Sobremonte en Mar del Plata. ¿Crees que el lugar “hace” a la obra o el arte excede al lugar físico?
  
  - Quien mira la obra la completa por intermedio de subjetividad, y por ende en parte la "hace". Mas alla del cuidado de la propia obra, lo cual incluye exponerla en ciertos lugares o circuitos y no en otros, lo cierto es que el arte suele encerrarse en un solo tipo de publico interesado o "erudito" y alejarse de la gente. Exponer en otro tipo de lugares, ir a llevar el arte a donde la gente concurre habitualmente y no en busca de arte, e intentar allí sorprenderlos, es algo que me parece fundamental. Es militar en pro del arte, es culturizar, es intentar llegar al otro, darle la posibilidad de llegar al arte, es abrir, o como decía Deleuze trazar lineas de fuga.
  
  - En reiteradas ocasiones declaraste que la música suele ser tu fuente de inspiración. ¿Te inspiran otros lenguajes artísticos como el cine, la danza o el teatro?
  
  - Si, pero no los puedo llevar con migo al taller. La música tiene esa característica especial de poder estar presente sin molestar o interrumpir, de poder acompañar, y en el caso de la obra pictórica: de sugerir tonalidades, e introducir ritmo. El cine, la literatura, la filosofía, las experiencias de vida, e incluso lo que estudio, influyen en mi obra. Como? alimentando, y modificando el sistema cognitivo y emocional desde el que surgen. Cada vez que una experiencia me marca, cada vez que un libro me hace ampliar mis puntos de vista, cada vez que una película me trasporta, las posibilidades de mi obra se amplían. El artista es una totalidad, no una isla, y como tal su vida y su contexto tienen que ver con su obra; no porque estas ultimas pueden leerse o interpretarse desde su trabajo como erróneamente se suele intentar hacer, sino porque es desde ellas desde donde surgen los contenidos y emociones que son el material de trabajo con el que el artista cuenta a la hora de ponerse a trabajar... re-elaboración cognitiva mediante, tendremos una obra.
  
  - Tus cuadros generalmente se encuentran en bastidores, pero hay también obras realizadas sobre objetos cotidianos como una cama o cubos; incluso en una de tus obras trabajas con el revés del bastidor. ¿Tiene que ver esto con un interés tuyo por mostrar que el arte no es simplemente “de caballete”?
  
  - Como Felipe Noe, y muchos otros, tengo la convicción de que la pintura no esta agotada, tiene aun mucho por decir, e incluso puede trascender los limites clásicos y de soporte que a primera vista parecería tener. Mi arribo a otro tipo de superficies, soportes, u objetos, viene de una búsqueda personal por romper con el plano y las dos dimensiones de la tela, en la misma fuerzo a la pintura a ir un poco mas allá de lo que se acostumbra. Digo fuerzo porque tranquilamente podría utilizar plotters, impresión, o sentarme en la computadora a realizar un diseño que después pudiera aplicar con facilidad; de igual manera estaría trabajando con la imagen (característica peculiar de la pintura que hoy trasciende todo soporte o técnica), e incluso el resultado óptico a simple vista podría ser el mismo. Sin embargo las implicacias teórico-conceptuales son distintas, existe algo de ficción y de desplazamiento al llevar la pintura a dicho lugar, se abre un terreno nuevo donde la metáfora puede tener lugar. A su vez existe cierta huella o marca personal que se inscribe en la elección de realizarlas de esta manera y no de una manera otra. Todo esto no tiene que ver con un debate respecto al arte de caballete o no, sino con abrir el juego a que quien mira se encuentra ante cierta indeterminación premeditada y ciertos desplazamientos o "fuera-de-lugar" que disparen su imaginación y la hagan volar. Me gusta pensar en un arte que abre en lugar de cerrar, que impulsa al observador a sentir, pensar, y crear, en lugar de imponerle contenidos y una sola forma de mirar o interpretar. El arte como posibilidad o disparador, como dispositivo libertario contra las estructuras mentales y el mutismo intelectual; el arte como herramienta política y filosófica.
  
  - Tus obras tiene una clara influencia del expresionismo abstracto. ¿Pensás que el artista se compromete más realizando un cuadro expresionista que uno realista?
  
  En algún momento pude haberlo pensado, pero en ese entonces seguía decodificando algunas cuestiones de una manera un tanto "moderna" que hoy creo haber superado. Durante cierto periodo de tiempo el arte se debatía entre -ismos o escuelas, las cuales pugnaban por un cierto tipo de verdad pictórica o modo de hacer que consideraban el valido, y en consecuencia denostaban al resto. No es difícil engancharse en dicha debate, e incluso puede llegar a ser apasionante, pero es erróneo y determinista. Implica "creer" (uso las comillas para marcar que digo "creer" en lugar de "pensar") que hay una sola manera valida de hacer arte, y que las demás son desviaciones. Es también una manera reduccionista de abordar algo tan complejo como es el arte, se lo reduce a los modos en que uno hace y listo.
  
  Obviamente es muy común comenzar a pensar desde dicho lugar, tiene que ver con el sentido común, pero por suerte el mundo nos excede, y pronto esa forma de ver se torna inconsistente para entender lo que pasa ahí afuera. Entonces o cambiamos nuestro modo de ver y abrimos la cabeza, o nos convertimos: con suerte en necios, y con mala suerte en dogmáticos o pequeños fascistas. Cierto grupo de personas pueden crear siguiendo un programa expresionista porque poseen tal o cual grupo de cualidades psicológicas y experiencias de vida que los llevan a que su forma de elaborar sea esa. Pero a su vez hay muchas otras formas, y todas son validas. Creer que la propia es la indicada, no solo es hacer agua intelectualmente, sino que también implica perderse la riqueza de todos los demás lenguajes artísticos. Dicho tipo de enfoque no permite tomar en cuenta la singularidad que se pone en juego en el lenguaje particular de cada artista, cada una de estas maneras de elaborar y crear tiene su valor y su riqueza, y es realmente genial tener la posibilidad de explorarla.
  
  En lo que hoy en día entendemos como arte contemporáneo, varios artistas pueden estar realizando una obra que a simple vista parecería similar, pero al ahondar en su proceso creativo, sus intereses, y su evolución artística, nos encontramos con que esa falsa presunción de algo en común se desvanece y comenzamos a ver como esas obras provienen de 3 lenguajes artísticos particulares, y de la búsqueda individual de cada artista. Cerrarse en el propio marco d referencia, y perderse de poder explorar y conocer cada uno de esos lenguajes, no permitiendo que nos lleven justamente a donde nuestra forma particular de crear no nos lleva, es realmente criminal.
  
  Mi forma particular de elaborar cognitivamente la realidad me permite hoy día realizar un tipo de obra y no otra. Abrirme a la obra de los demás artistas, y profundizar en ella, me permite llegar a otros lugares que de otra manera me estarían vedados, comprenderlos, y asi modificar mi manera de ver y de pensar. Es por ello que no creo que haya mas compromiso en el expresionista que en el realista o el conceptual, son modos o formas de crear, todas son validas, y todas tienen sus puntos altos y sus flaquezas. Lo ideal es aprender de ellas, usarlas para subvertir la propia estructuración psíquica liberándose cada día un poco mas de las propias limitaciones, para después tener mas poder y control a la hora de decidir que hacer y que no hacer en la propia obra.
• Entrevista por Maria M. Blasco, 9 de Junio/2010.

Entrevista sobre SAC en "La Capital" - 4/04/2010

• BALANCE DE LAS PROPUESTAS QUE SE DESARROLLAN EN MAR DEL PLATA
  
  CON PROPUESTAS INTERACTIVAS Y UN PUBLICO ÁVIDO PASO LA SEMANA DEL ARTE CONTEMPORANEO
  
  Uno de los Organizadores de la Semana del Arte Contemporáneo de mar del Plata trazo un panorama de las actividades que, durante siete días, se desarrollaron en diversas sedes. hubo de todo: muestras fotográficas, pictóricas, actividades interactivas, talleres, conciertos, y conferencias.
  
  Del 18 al 24 de Marzo pasado, en diversas sedes marplatenses se realizo la segunda edición de la Semana del Arte Contemporáneo (SAC) que organizo un colectivo de artistas locales, coordinados por Susana Consorte y Jose María Casas. Tras la experiencia, que convoco a numeroso publico y en la que participaron mas de 150 artistas, Casas trazo un balance de las actividades, que se desarrollaron en La Normandina, la Alianza Francesa, la Plaza del Agua, y el Instituto Movilizador de Fondos Cooperativos.
  
  "El Artista Contemporáneo es consciente de que la obra se completa con la subjetividad de quien la mira, y por lo tanto la obra intenta generar un dialogo y una apertura al pensamiento, en lugar de perseguir e imponer un punto de vista", señalo Casas sobre el espíritu que guió a la SAC.
  
  Ademas, Casas dio un panorama del arte contemporáneo en Mar del Plata y anticipo cuando se realizara la tercera edición.
  
  - Que Balance haces de la segunda edición de SAC?
  
  - Muy Positivo. Apostamos fuerte a las secciones de arte y tecnología, y de música contemporánea; y a ampliar la muestra de artes visuales con nuevas sedes, y todo ello fue un éxito. La sección de arte y tecnología engancho muchísimo al publico, había cola frente a las distintas obras para poder participar e interactuar con las mismas. Los cinco conciertos de música contemporánea fueron de un nivel increíble y el publico respondió: fueron a sala llena, y hubo gente que se vino desde Capital Federal para poder disfrutar de los mismos. Y la muestra de artes visuales creció un 60% con relación a la del año anterior, e incluso quedo chica, ya que por convocatoria entraron mas de 400 propuestas de las cuales muchas debieron quedar fuera por una cuestión de espacio y no de calidad.
  
  - Cual fue la Respuesta del publico?
  
  - La respuesta del publico fue muy buena, tuvimos entre 200 y 250 personas en la inauguración y la misma cantidad al día siguiente en la inauguración de la Plaza del Agua. Conciertos y conferencias a sala llena, y el cierre del día 24 en Plaza del Agua entre 150 y 200 personas aproximadamente.
  
  - Hay una vinculación especial entre el arte contemporáneo y los jóvenes?
  
  - El arte contemporáneo utiliza lenguajes actuales, y se comunica utilizando una base conceptual que emerge del mundo en el que vivimos. Es por ello que es mucho mas fácil que la juventud conecte, o dialogue, con este tipo de obras que surgen de su mundo, que con obras surgidas en otros contextos históricos. Sin embargo este arte, el arte de hoy, no tiene muchos espacios para mostrarse en la ciudad. Se suele insistir una y otra vez con los mismos nombres y recetas agotadas, y el resultado es el desinterés del publico y la poca concurrencia que muestran los espacios públicos y museos de la ciudad. Estaría bueno que los expertos antes de hablar sobre la apatía de la juventud o su falta de ideas y entusiasmo, se preguntaran si el problema no esta en lo que les están ofreciendo, en lo desconectada que esta esa oferta cultural con el mundo actual. No se puede gestionar cultura de espaldas a la ciudadanía y negando el presente. Un buen ejemplo de vinculación con la juventud es el segmento de arte y tecnología, donde se podía observar a gente de todas las edades haciendo fila para poder participar. Hacia mucho tiempo que no tenia la oportunidad de ver un fenómeno de masas de ese tipo en una muestra de arte.
  
  - Como convocaron a los artistas que participaron de la SAC?
  
  - Realizamos una convocatoria abierta por intermedio de internet. La misma tuvo una duración de un mes y medio, se recibieron mas de 400 propuestas de Argentina y países de habla hispana. Estas propuestas fueron revisadas por un jurado compuesto de 15 miembros de destacada trayectoria en los diversos campos artísticos. El proceso de selección duro aproximadamente un mes, y luego de seleccionar en función al nivel de las obras, hubo que pasar a la triste etapa de seleccionar de entre lo mejor en función de metros lineales de pared disponibles. Digo "triste" porque quedaron a fuera por cuestiones de espacio un montón de obras que nos hubiera encantado mostrar y que el publico hubiera disfrutado. Esperamos poder contar con mas sedes para la tercera edición.
  
  - Como es el panorama del arte contemporáneo en Mar del Plata?
  
  - En cuanto a producción es impecable. Hay un excelente nivel, con artistas ya establecidos y respetados, y con otros que vienen a toda marcha y van ganándose su lugar. Faltan espacios, pero este es un dato que hace dos años habría comentado con pesimismo y hoy ya no le puedo dar ese tono. Están pasando muchas cosas: hay lugares como Mundo Dios que es un lugar increíble donde no solo hay exposiciones sino también clínicas de arte. Están los encuentros de dialogo con artistas del museo Bruzzone. Volvió el Club del Dibujo. El Trimarchi DG (evento dedicado al diseño gráfico) el año pasado destino un espacio a la muestra de artes visuales que realmente tuvo una curaduria impecable. Baltar contemporáneo esta con mas pilas que nunca. Abrieron las puertas las galerías "Marca de Agua" y "Voragine". Y hay varios espacios mas en camino. Todas iniciativas privadas de gente que decidió no irse de la ciudad, y apuesta por generar espacios en Mar del Plata.
  
  - Cuando se hace la tercera edición?
  
  - A principios de marzo de 2011. Esperamos lanzar la convocatoria entre agosto y septiembre de este año para así poder trabajar con mas tiempo.
• Entrevista por Paola Andrea Galano en el Diario "La Capital", Mar del Plata, 4 de Abril/2010.

Entrevista en "Art Zine" - 12/2009

• Con 28 años, este artista marplatense ha logrado adentrarse en la trama de la tela más allá del color y las formas, llegando a considerar los colores como tonos y contratonos de la obra. Su técnica, básicamente abstracta y no figurativa ha podido ser vista en varios lugares del mundo, y “con buen feedback”. En la entrevista un poco de todo de José que nos cuenta que piensa de la inspiración, de la crítica y del arte local.
  
  -Vos decís que lo que expresas a través de la pintura es todo aquello que quizás con las palabras no podes. Además afirmas que no podes hacer nada que no venga interiormente con vos. Viene con vos desde chico o viene de casa la veta artística… estéticamente.
  
  En realidad la forma en la que lo conceptualizo es la siguiente: cuando está inmerso en una sociedad y un mundo, todo lo que sale, de alguna manera entró con anterioridad. Aunque uno lo reprocesa, lo reconstruye, uno es hijo del tiempo en el que vive, de la familia, de los amores que ha tenido, entonces todo eso reprocesado por lo que uno es, es lo que va saliendo. No es algo que viene dado por un don, o algo por el estilo. Vos te vas construyendo como artista.
  
  Pero en el entorno más cercano, tenés a alguien que explote alguna veta artística, que toque algún instrumento, o que consuma arte…?
  
  - Tenía un tío que pintaba, pero nunca dejo de ser un hobbie para él. En mi familia siempre me estimularon hacia lo artístico. Por ejemplo a escuchar música. También siempre que hubo plata en casa viajamos y tuvimos la posibilidad de aprender de la cultura de diferentes países, en vez de tener un auto mas caro. Tener la posibilidad de conocer museos de historia, de arte. De chico siempre estuve muy estimulado con eso, es más, los que me mandaron a aprender pintura fueron ellos. Pienso que la capacidad creativa, la capacidad de expresar y crear, es una característica común a todos los seres humanos. En mi caso es por medio de la pintura ya que es el lenguaje en el que todo eso que me pasa, logra salir. Es mi forma de expresarlo. Yo probé con la música, pero nunca logre que una nota diga nada a pesar de que de técnica sabía. Podía tocar escalas muy rápido pero no decían nada, escribiendo soy de madera, y en cambio pintando logro encontrarme.
  
  Bueno, pero la imagen toma un peso muy fuerte en tu obra, porque también dibujas… Vos como te sentís mas cómodo, dibujando o pintando?
  
  - En un primer momento era dibujando. Me pasaba todo el tiempo dibujando, hacía ciudades en perspectiva, hacía cosas de ciencia ficción, medio futuristas. Después me enganche con el color. Poder romper las formas me dio más libertad y me permitió soltarme y desarrollar mi potencial creativo. También la fotografía me gusta mucho, la practico porque me encanta, pero nunca hice carrera de fotógrafo ni me puse a exponer. La fotografía, para mí, es más un intento de eternizar o capturar un instante.
  
  Y en cuanto a los materiales que usas, mas allá de los colores fuertes y de la técnica que es no figurativa, que utilizas? Con cuál de ellos sentís que podes expresarte mejor y quedar conforme con ello?
  
  - Hoy en día estoy trabajando con acrílico muy aguado. La técnica que uso es más de acuarela que de acrílico. Lo que hago es que el acrílico tome la luz, del soporte, sea tela o madera porque al estar traslúcido toma luz de atrás como ocurre con la acuarela, y de adelante con la iluminación que le llega. Uso barniz damar disuelto en trementina que da un acabado como si fuera un laqueado, con eso logro que quede un tono y un brillo como si fuera óleo. Porque en realidad el color del óleo siempre me pareció muy superior. Y después como es al agua lo puedo mezclar con lo que quiera: boligomas, pigmentos de aluminio, extracto de banana que es una laca distinta que uso para hacer unos efectos químicos con el acrílico que me permiten dar textura y relieve. A veces uso uno de los colores primarios mezclados en óleo, en óleo disuelto para que no se mezcle con el agua, eso me permite usar toda la paleta de colores sin que se mezclen, porque si usas los tres primarios muy aguados se hace un marrón horrible. Y lo bueno de que sea al agua es que podes ir experimentando, es como un laboratorio de materiales. Y bueno, después las formulas que mas pegan las aplico en las obras… lo demás queda como ensayo.
  
  Y en tu caso, como resulta el tema de la inspiración a la hora de pintar. Aparece el tema y después la obra o es como dicen que uno “amanece inspirado” o el trabajo te va demandando?
  
  - Es un proceso en realidad. Se suele tener una falsa idea al respecto. Se cree que uno tiene una idea, y después la plasma de manera mecánica. Se trata de una abstracción en realidad que no le hace honor al proceso del que hablamos, porque si uno se quedara solo con esa primera idea se perdería de la riqueza que aparecen en las sucesivas reestructuraciones que uno le va haciendo mientras trabaja. Cuando estás ahí y lo empezas a hacer siempre la vas mejorando, mejorando, mejorando y dándole muchas mas vueltas y ese momento ínfimo de inspiración se transforma en horas y horas de trabajo que hace que esa idea original se vaya transformando. Picasso decía que no le preocupaba mucho por donde empezaba porque siempre terminaba en otro lado. Eso yo lo fui aprendiendo también de trabajar y pienso exactamente lo mismo, y la inspiración hay que saber entrenarla. Cuando trabajás en tiempos muy espaciados entre una sesión y otra te da esa sensación de que hay que esperar la inspiración, hasta que no tenés muchas ganas no lo hacés. Así es como uno empieza, pero después podés empezar a entrenarla para que venga: escuchando música, mirando arte, yendo al taller a estar rodeado de tu obra, etc. Cuando eso se va transformando en lo más importante de tu vida, en lo que hacés todos los días ya no precisás buscarla, se da sola.
  
  También escuchas música para ambientar y crear un clima, que música escuchas?
  
  - Y, por lo general escucho música que es abstracta, donde la voz si está, es un instrumento más. Como por ejemplo, Radiohead que no es un fondito musical que acompaña una letra, que es lo que pasa con mucha de la música de hoy en día. Es como con la concepción de la música clásica, son sonidos y la voz es un sonido más. Suelo escuchar Radiohead, Bjork, algo de música electrónica, música clásica, etc.
  
  - El tipo de música tendrá que ver con tu estado de ánimo, eso quizás va a definir por decirlo de algún modo, el color con el que arrancás…
  
  - La música genera ciertos acordes de tonalidades, y va generando ciertos climas, los cuales me gusta explorar y trabajar.
  
  Una de tus obras la describías como que en ella marcabas los tonos y los contratonos de la música,
  
  -Sí, cuando trabajaba con espátula, y recién había descubierto el fondo blanco, me parecía que la espátula y la transparencia hacían tonos, silencios, semitonos, mezclando varios colores.
  
  - Vos sentís, cuando la ves, que tu obra tiene que ver con la música?
  
  -Por un lado tiene que ver, pero por otro lado la música también es una herramienta que se utiliza para tratar de conceptualizar lo que se realiza con la pintura. Desde Kandinsky en adelante hubo muchos intentos de separar esa apelación obligada a la realidad y que la obra no sea una copia de la foto. Se tomaba a la música que era abstracta como ejemplo de eso. La Música tiene esa autonomía… no es ni una cosa ni la otra. También cuando durante la realización de una obra no le encontrás movimiento, y le falta dinámica, si pones algo de música que a vos te da ganas de moverte y seguís trabajando, el ritmo aparece solo.
  
  Después de todo lo que has estudiado y de toda la trayectoria
  que tenés, que consideras que vino innatamente con vos,
  o que herramientas te dio el haber estudiado? ¿Consideras
  que de no haber estudiado hubieras hecho esto igual?
  
  - La verdad es que si realmente te gusta lo que hacés y te encontrás con limitaciones técnicas por falta de formación, el impulso mismo te va a llevar a buscarla. Eso mismo te va a movilizar para tapar esos baches, y lo probablemente aprendas con mucha más celeridad y más profundamente siguiendo esa motivación no impuesta. Yo creo en la autoformación.
  
  Te consideras autodidacta?
  
  - Sí, soy un experimentador. Eso es lo que mas me gusta, con el acrílico, me enganche experimentando. Siempre trabajaba con óleos. Pero cuando lo descubrí en la forma en que lo trabajo ahora, fue como ponerme a jugar como un chico a hacer experimentos, en un laboratorio de química, y perder el miedo a si sale mal. Siempre lo podes pintar de blanco y arrancar de vuelta. Ese miedo a equivocarse limita a mucha gente a la hora de crear, el miedo paraliza, y no hay aprendizaje ni experiencia sin el ensayo y el error.
  
  Te ha pasado en algún momento que digas: la verdad que no me gusta para nada lo que hice…?
  
  No se si para nada, porque siempre tenés el saber de porqué lo hiciste en ese momento, pero cada vez vas aprendiendo más y vas encontrando en tus obras anteriores defectos que antes no veías. Vas afinando la vista y ves imperfecciones que antes no tenías la capacidad para detectar. También te das cuenta que quizás no hubieras resuelto esas situaciones como las resolviste, pero decir no me gusta para nada, sería negar el momento histórico en el que surgió esa obra. Esto es una evolución constante y de cada obra tenes algo que aprender.
  
  -En una de tus obras vi que movías el bastidor, para que la pintura se vaya escurriendo, hay un trabajo más allá del color y la mancha, es como que llamas a la obra a trabajar, como que exigís la tela…
  
  -Sisi, como técnica, son técnicas extremas… porque tanto al bastidor de madera como al de tela, lo exigís al máximo, trabajando con humedad, con un solvente que disuelve el fondo y se pega con la madera, lo castigás bastante. Lo bueno que tiene la tela, es que el agua sigue por donde vos la hundas, jugas con las tensiones, y eso te permite guiarla por donde vos queres. Ya sea colocando cosas debajo para que ciertos puntos no se hundan y queden emergentes, enmascarando con boligoma para que en esa parte no absorba, o tenga otra textura… el tema que tiene en que en las reacciones químicas también tenés un trabajo… por eso trabajo con distintas altitudes, presiones, materiales, y
  compuestos.
  
  Y a través de tu trabajo con cual de todos tus obras te sentís mas identificado y crees q esta totalmente acabado?
  
  - Siempre con la última. Lo último que estoy haciendo, salvo en algunas ocasiones en las que estoy estancado y dando vueltas en busca de un nuevo norte, siempre lo último es lo que más me gusta.
  
  En el momento de pintar existe esa desesperación por verlo terminado?
  
  -No, eso es algo que a mí nunca me pasó y sí hay mucha gente a la que le pasa. Hay gente que no trabaja óleo porque tarda mucho en secarse. Yo, si conseguí la imagen que quería no me importa si tarda tres meses en secarse, o un día. Si tuve la sensación de que lo que quería hacer lo hice, ya está.
  
  Siempre te gustó exponer y que el “otro” lo vea o en algún momento te costó? Porque en definitiva es uno el que esta ahí (en la obra)
  
  - Si pero no. Por un lado no es tan leible mi persona en mi obra, capaz que eso pasa más con la escritura, y por otro lado el que completa la obra es el espectador. Esperar que el espectador vea lo que uno quiere es una falacia absoluta, porque la subjetividad del otro es lo que completa la obra. Y uno también, cuando la termina y la cuelga, pasa a ser espectador. Me interesa mas tener ese feedback de poder hacerle volar la cabeza a otro, abriendo el campo a la imaginación y la libertad y que salga un poco de este mundo, a veces tan aburrido, que lo que mi obra pueda llegar a decir o mostrar de mi.
  
  - Esto se relaciona con la crítica, que pensas de ella? Sirve la crítica? Existe a tu criterio al crítica de arte?
  
  - Como en todo hay gente que trabaja muy bien, y otra que se dedica a robar. Y también existe el lugar de poder que tiene la crítica y que está dado por los mismos artistas, cuando ellos en vez de hablar de su obra le ceden ese lugar a otro para que lo haga. Entonces es un ida y vuelta. Hay buenos y malos usos. En ciertos casos los curadores en las exposiciones están bien usados. Pero a veces, se pretende que el nombre del curador sea más grande que el nombre del artista que está exponiendo, y ahí ya entramos en otro tema.
  
  Vos sos uno de los artistas locales que mas a viajado y ha tenido la oportunidad de exponer afuera, ¿cómo es mostrar tu obra a gente de otra cultura?
  
  - Esta buenísimo. En realidad lo que más rescato de haber viajado es poder haber ido a los museos y ver en forma personal las obras que siempre ví de chico en los libros. Lo que ofrece el viajar es la posibilidad de descubrir que tu obra no tiene nada que envidiarle a la de afuera, que tenés buen feedback con el público y que el arte es, en definitiva, un lenguaje universal.
  
  ¿En dónde podemos ver tus obras próximamente?
  
  - Voy a estar en dos ferias de arte una en Irlanda y otra en Escocia, pero yo no viajo. En mayo voy a estar en el Macla en La Plata, en febrero y marzo en Normandina en mardel. Son las dos muestras grandes, donde hay espacio para colgar muchas obras. En las dos voy a presentar una obra que tengo que es de 5.40 por 1.60 que la tengo en las sombras de una cochera porque no entra en ningún lado. Y no estoy pintando más en ese tamaño por el problema del espacio, pero realmente las telas grandes son lo mejor. Porque al tener mas espacio podés jugar mucho más con la sutileza, agregar mas detalles, que los degrades no sean tan de golpe, tan bruscos. Jugar más con los ritmos, permite otro recorrido y lectura de obra.
  
  Como surgió desde vos, el recorrido artístico, como carrera, no como aprendizaje personal…
  
  - En realidad, me fui moviendo yo. La primera vez expuse en el colegio de abogados, porque en mi familia son todos abogados y me ofrecieron armar una muestra ahí, y cuando las ví colgadas y tuve buen feedback, me di cuenta… porque la primer muestra siempre es un click, por eso le digo a todo el mundo que exponga, porque no es lo mismo ver tu obra en tu casa o tirada en el piso del taller que colgada con buena luz, sobre una buena pared. Te hace tomar en serio lo que hacés. Y después seguí haciendo muestras en mardel.
  
  - Y habías pensado en dedicarte a otra cosa?
  
  - Yo en ese momento estudiaba abogacía, ahora estoy en quinto de psicología. Después me fui a Buenos Aires, a llevar carpetas de acá para allá y gane un concurso en una galería para una muestra colectiva, y bueno, tuve la muestra. Empecé ahí, después conocí a otro galerista y armé la muestra individual y así se fue dando.
  
  Y consideras que el estudiar psicología te da otra perspectiva a la hora de la obra, porque es algo quizás bastante inconsciente el trabajo…
  
  - Es inconsciente, pero no desde el punto de vista del psicoanálisis que es ese inconsciente reprimido al que no hay acceso. No adhiero a la teoría. En realidad todo lo que estudias, cada vez que agarras una teoría que te vuela la cabeza y te hace cambiar tu manera de mirar el mundo, también repercute en como pintas, repercute en todos los ámbitos. Por eso es bueno hacer otras cosas y no encerrarse en la carrera artística, porque sino esta el riesgo de que la obra se torna autorreferencial. Por eso la familia, la música que escuchas, lo que lees, todo es trabajo intelectual y cognitivo que repercute en tu manera de pintar, por ejemplo. Alimenta y modifica el sistema cognitivo con el que luego vamos a elaborar nuestra obra.
  
  Como artista, tenés alguna meta, algo que todavía no alcanzaste y te gustaría?
  
  - Me gustaría, que no lo veo como allá arriba o imposible, armar una gira. Una muestra individual, por ejemplo, e ir recorriendo varias ciudades en Europa, Madrid, Barcelona- Milán, ir viajando con
  la obra.
  
  Y que pensas de la movida marplatense en particular, en cuanto al arte?
  
  -Y yo la dividiría en dos cosas. Por una lado hay artistas y muy buenos, hay gente laburando en todas las áreas y son excelentes, pero lo que no hay son lugares para exponer. En la ciudad todavía se considera, incluso el arte moderno, que ya paso hace rato, como algo todavía muy atrevido como para exponerlo. No hay lugares para la gente joven, no hay lugar para el arte contemporáneo. Y lo otro es que Mar del Plata tiene lo increíble de que en verano viene todo el país, y podría ser la plataforma de lanzamiento para quienes trabajan en la ciudad todo el año, pero en lugar de eso se importan contenidos. Lo que se hace es traer muestras de Buenos Aires que la gente que viene de veraneo ya vio en el invierno en capital, en lugar de armar muestras de artistas locales. Y si se propusieran hacerlo, porque artistas hay, serviría para lanzar y promocionar el arte de la ciudad a nivel nacional, pero eso no se hace. Tampoco tenemos un museo con una agenda de exposiciones coherentes. En el único que hay, la agenda se interrumpe con una caprichosa feria de navidad y una feria de anticuarios que nada tienen que hacer en el marco de un museo de arte. En definitiva falta reconocer la propia identidad, valorar lo propio y plantarse; y faltan también políticas culturales tendientes a la difusión y consolidación de la misma. El teatro provincial no puede ser para Fort o los Midachi, son movidas que se pueden sustentar solas y no precisan de apoyo estatal. La gestión debería apuntar en otras direcciones y abrir en lugar de cerrar.
  
• Entrevista en "Art Zine", Mar del Plata, Diciembre, 2009.

"La cultura oficial esquiva generaciones enteras" - 30/06/08

• "La cultura oficial esquiva generaciones enteras"
  
  30.06 El artista plástico José María Casas, “Two”, sostiene que en Mar del Plata los museos tradicionales están anestesiados. Hay que hacer foco en espacios alternativos: el sábado expuso en Sobremonte. por Agustín Marangoni
  
  El objetivo en un boliche bailable es conseguir pareja. Ocasional o de por vida, eso varía de acuerdo a cuán iluso sea uno. El éxito es directamente proporcional a compartir los mismos códigos. El primer código es el lugar en sí. Debe darse una correspondencia espacio-temporal, es el primer paso y no es casual. Luego todo el resto.
  
  La pista es la exaltación de lo instintivo. No hay otro intercambio que el corporal, y casi exclusivamente visual. La coincidencia de códigos entonces se inclina hacia lo estético. Las preocupaciones pasan por la ropa, el corte de pelo, los accesorios, el maquillaje y una intrincada telaraña de cosas más. Es un interés estratégico. Depende el lugar suceden las estrategias. Podría decirse que Sobremonte es el boliche marplatense con más gente lookeada por metro cuadrado; casi toda en la misma línea. Es una industria de imágenes para fotologs.
  
  Gente que viene y va, que mira mucho a los demás y se observa a sí misma. Es sábado a la noche, técnicamente domingo. Las 4:30. José María Casas, también conocido como "Two", habla con un muchacho que sonríe, toma una cerveza encerrada en una botellita y señala sus cuadros. La gente pasa como si nada. De cada treinta uno se detiene.
  
  El primero:
  - ¿Te gustan los cuadros?
  - No entiendo nada. Parecen buenos.
  
  El segundo:
  - ¿Te gustan los cuadros?
  - Sí. Me gustan los colores.
  
  El tercero:
  - ¿Te gustan los cuadros?
  - Sí, no sé.
  
  Las obras están repartidas en tres sectores. Una pieza de gran formato en una pared vacía, una intermedia sobre un atril y otras cinco apoyadas sobre un espejo por encima de una hilera de computadoras. El lugar es una pirámide de vidrio. Música a un volumen razonable, sillones y mujeres hermosas detrás de la barra. Todo tiene un tinte azul moderno, menos las obras, que se destacan por sus propios colores. José María también participa en el juego de códigos.
  
  - ¿Por qué exponer en un boliche bailable?
  - Creo que la primera respuesta que a uno se le viene a la cabeza es un simple ¿y por qué no?. Esto que puede sonar a adolescente contrera o contestatario en realidad en mi caso tiene otro sentido. Creo que habría que interrogar mitos con los que solemos manejarnos en estos temas para averiguar porqué suena tan raro o fuera de lugar el armar una muestra en un lugar así. Y luego ver si esa construcción se adecua a la realidad o es puro prejuicio.
  
  - ¿Sirve de algo montar esta muestra?
  - Depende de cómo se lo mire. Para algunos una muestra sirve si se vende, para otros si se hacen buenos contactos, algunos dirán que sirve sólo si tiene buena prensa ya que si no, no existe. En mi caso creo que una muestra sirve si “muestra”, o sea si puede acceder al publico, y luego de eso si entran en juego las demás variables antes mencionadas, pero no hay que perder nunca de vista a la principal, mostrar. Este lugar permite eso: acercar lo que uno hace al publico en general, y no sólo al circuito cerrado de aquellos que suelen concurrir siempre a las salas de exposiciones, sino a otro publico, o a un publico otro.
  
  - ¿Cómo es ese otro público?
  - Podríamos decir que se trata de un público heterogéneo en cuanto a su composición, y relativamente joven en cuanto a su edad promedio. Claramente se diferencia del público que concurre a conciencia a una exposición tradicional, ya que lo que los motiva a concurrir no es precisamente la muestra. Pero sin embargo también está muy bueno jugar con eso, ver qué le pasa a la gente cuando se encuentra de golpe ante una obra en un lugar en el que quizás no la esperaba o no acostumbra a encontrarla. Sorprender con el arte.
  
  - ¿Cómo es la recepción?
  - Se puede decir que las que más se interesan con este tipo de obras, en estos lugares, suelen ser las mujeres. Son las que más se detienen a observarlas, recorren con mayor detenimiento, leen la info de los catálogos y hasta se acercan a charlar. Pero aclaro lo del tipo de obras porque no sé qué pasaría con la reacción del publico si en lugar de abstracto se presentara otra cosa, o si la artista fuera una mujer.
  
  - ¿Cómo conseguir condiciones óptimas para mostrar una pieza artística? ¿Cómo competir visualmente con las publicidades y la misma velocidad del boliche?
  - En este caso trabajé con la ayuda del equipo de técnicos y personal de mantenimiento. Ellos perforan las paredes, instalan las luces de manera temporaria, etc. Las condiciones óptimas son hasta inconseguibles en algunas de las mejores salas de la ciudad, la iluminación siempre fue y será, lamentablemente, todo un tema. En este tipo de lugares hay un factor que ayuda mucho, que es la iluminación ambiente. Al ser tenue en general (ambiente), pero elevada y focalizada en el lugar de emplazamiento de las obras, se genera un contraste alto que no sólo atrae al publico sino que hace lucir a las obras de una manera que parece imposible. Las publicidades, por otro lado, se desmontan, Por el tema velocidad, no hay mayores complicaciones, el espacio es un símil sala de estar o living. Apartado de la pista.
  
  - ¿Qué te genera a vos, como plástico, exponer en un boliche bailable?
  - Para mi este tipo de lugares siempre fue más que eso. Sólo concurro cuando sé que voy a encontrar música que realmente me agrada. Mi postura siempre fue mas cercana a la de concurrir a un recital a escuchar y disfrutar, que a la más clásica de ir a una disco de levante. Sea por mi timidez y carencia de chamuyo, o por mi excesiva sensibilidad hacia la música, o por ambas, lo cierto es que entonces esto para mi no es sólo una muestra sino un cruce o encuentro de varias disciplinas artísticas.
  
  ¿Qué me genera?. Me gusta y a su vez es toda una oportunidad. Por un lado es un cruce, o encuentro, de mi obra con uno de los estilos de música que más han influenciado en su desarrollo: la música electrónica. Su pulso y ritmo pueden aun observarse en mi obra, e incluso la idea de generar ambientes y climas emocionales también tienen mucho que ver con ella y con el rock alternativo o post rock. Me permite llegar a un público al que no tendría acceso con una muestra tradicional, los que no suelen concurrir a las exhibiciones realizadas dentro del circuito tradicional.
  
  - ¿Qué importancia tiene abrir espacios no convencionales de exposición?
  - Definitivamente mucha. Los espacios no convencionales dan lugar a lo instituyente, permiten un corrimiento y dan lugar a la emergencia de nuevas obras y discursos. Son un espacio tanto para la construcción y la experimentación como también para la disidencia. En cambio los lugares clásicos representan a lo instituido, obedecen a un discurso rector, y tienden a anquilosarse, aún cuando se los intente mantener actuales y vivos, que claramente no es el caso de esta ciudad. Es una realidad que aquellos que se hacen un espacio en la agenda para ir a recitales y exposiciones de arte es porque tienen una necesidad interior pujante de recibir una dosis de arte de tanto en tanto. La idea con este tipo de exposiciones seria la de movilizar al público, hablarle a su sensibilidad, e intentar despertar en el esa necesidad de encontrarse expuesto al arte de tanto en tanto. No creo que sea, como se decía antes, una cuestión de buen gusto. La sensibilidad se trabaja, se entrena, se despierta, y se educa.
  
  ¿Qué opinás de la política cultural que se está desarrollando en Mar del Plata?
  - Hace rato que no hay políticas culturales. O mejor dicho si las hay: se ha decidido dejar a generaciones enteras por fuera de la propuesta oficial. Se las culpa por su “desinterés” en lugar de interrogarse respecto del mismo. Ni hablar de intentar averiguar “qué les interesa”, qué los mueve, qué los afecta, o intentar interesarlos. Sin embargo puedo garantizar que esa juventud en teoría desinteresada, desganada y descerebrada como la llaman los supuestos entendidos, que no hacen más que transferir o proyectar a las nuevas generaciones su frustración por sus ideales caídos, se interesa y responde de inmediato cuando llevas el arte a sus lugares, donde el denominador común siempre es la música.
  
  - ¿Qué reflexión merece la gestión en los museos tradicionales marplatenses ?
  - Primero. Mar del Plata es una ciudad muy grande e importante dentro de lo que es el país. Y como tal debería tener un salón y un premio como la gente, ni hablar de una bienal. Sobre todo cuando cualquier ciudad que es la mitad los tiene. Visitar museos de ciudades ajenas genera siempre ambivalencia: por un lado se disfruta por su contenido, pero por otro se siente vergüenza por nuestra ciudad. También hace falta un Museo de arte Contemporáneo. Pero ¿Cómo tenerlo en una ciudad donde aún se discute al arte moderno y se debate bizantinamente el status artístico del arte conceptual, las instalaciones, el video arte, etc? Se puede leer a especialistas en el diario con mayor tirada de la ciudad hablando de la importancia de dar lugar al arte moderno... que tomen nota: ¡Ya no estamos en la modernidad! ¡Siglo XXI por favor!!
  
  Segundo. Debería ser política cultural ineludible de la ciudad apuntar a la valoración de su propia cultura, en lugar de sólo usarla para pasar el invierno, y luego en temporada marginarla y relegarla, en lugar de utilizar esa ocasión para lanzarla a nivel nacional. Al público visitante no lo entusiasma consumir y ver lo que ya tiene a su disposición en capital durante todo el año, mientras que a nosotros el ser visitados por tan enorme cantidad de gente nos serviría como una plataforma de lanzamiento inigualable.
  
  Digamos que la respuesta de público es tan variable que es casi impredecible…
  - A ver. Si cualquier artista activo mete como mínimo 100 personas en la inauguración de una expo en el circuito alternativo, pero el estado no logra meter más de 17 en una inauguración de un gran premio nacional traído de Buenos Aires con sponsoreo y mucha prensa, quiere decir que algo esta pasando, y que de algo se están perdiendo. A su vez, si mucha de esa gente que lo va a ver a uno por compromiso, amistad, histeria o lazos sanguíneos, termina entusiasmándose con las exposiciones y comienza a concurrir a otras insertándose en el circuito -1 de cada 10 aproximadamente-. ¿No se debería abrir el circuito institucional local al arte vivo de la ciudad, a lo que hoy pasa ella? Esto inyectaría un publico nuevo al circuito institucional y a su vez permitiría que dichas personas abran su sensibilidad al arte. Saldríamos ganando todos.
  
  - ¿Qué lugar y qué función ocupa hoy el arte en la juventud? ¿Cuál es el camino que intenta trazar el arte contemporáneo? ¿Hay un punto de encuentro?
  Hoy veo un arte menos alejado de la gente de su generacion, menos elitista o separatista. El nueva tipo de figuración que hoy avanza dentro de la pintura es indefectiblemente multidisciplinaría y con aspectos del street art y el diseño. Va muy de la mano con la indumentaria, lo digital, y la música, rompiendo límites que por ahí antes eran muy estancos. Hoy no es difícil ver saltar una pintura desde una pared hacia una remera, o a un grafiti pasar desde un muro abandonado hacia una sala de exposiciones de primer nivel. El concepto ya no se discute sino que ya forma parte de todas las manifestaciones artísticas, y lo que hay es una ampliación del espectro de manifestaciones gracias a las nuevas tecnologías. ¿Un punto de encuentro?. La música. Hoy nada se hace sin música. Si la música es ritmo, entonces quizás esta sea el latir del corazón del arte.
  
  
  La pirámide cierra las puertas a las 7:00 en punto. José María descuelga dos obras que prefiere llevarse en auto. En la vereda, la gente se agolpa en busca de un taxi. “Grande Picasso”, le grita un muchachito, pelo decolorado y gorra con visera, mientras se atraganta con un pancho. José María hace que no escucha y sigue caminando. Lo acompaña una niña con hipo. Las luces de la ciudad recién comienzan a apagarse.
• Entrevista por Agustin Marangoni en el portal "Ciudad Abstracta", Mar del Plata, 30 de Junio/2008.

Entrevista en "Click Television" - 14/06/2007

• Diego Carabelli: Estamos aqui en los cuencos con Jose Maria Casas, un artista plastico marplatense, que ha expuesto el año pasado en Estados Unidos y en Italia, y hoy esta presentando su muestra que se llama como Jose?
  
  Jose M Casas: Pintura en Movimiento Parte 2.
  
  JMC: Pintura en Movimiento porque en esta serie nueva que empece a trabajar el año pasado trate de incorporarle dinamica a mi obra. De romper con el plano, de que se mueva y no sea solo color estatico. Y es la parte 2 porque el año pasado en esta misma sala expuse la parte 1.
  
  JMC: Bueno este estilo se llama expresionismo abstracto. Ademas de la abstraccion que suele ser no figurativa agrega expresion de emociones a partir del impetu con el que se usan los colores, los trazos, la materia, los relieves. Los iniciadores fueron la escuela de Nueva York, pero no viene tan de ahi en mi caso, yo vengo mas de Kandinsky y Miro.
  
  DC: Vasily Kandinsky fue uno de los iniciadores del arte abstracto a nivel mundial, de nacionalidad rusa puede ser?
  
  JMC: Ruso que la mayor parte de su carrera la hizo en Alemania y en Francia porque la revolucion lo termino hechando porque el arte debia estar al servicio del pueblo y no de cosas abstractas digamos. El buscaba lo espiritual en el arte, unir el arte visual con la musica, que no tubiera que apelar a la realidad para transmitir emociones. Segun el el color eran como las notas que tocaban en el alma.
  
  DC: De repente esta obra tiene musica?
  
  JMC: Tiene musica porque el ritmo que tienen mis obras tiene que ver con la musica que escucho cuando las hago. Depende de lo que uno escuche son los colores que van a salir. Depende de las situaciones que uno este viviendo son tambien los colores y las emociones que hay en la obra. Entonces todo lo que uno larga, sale de adentro, es porque lo tomo de algun lado, y como yo pinto con musica, la musica condiciona gran parte de mi obra.
  
  DC: Estubimos con el two-, Jose Maria Casas, en Los Cuencos, Mar del Plata, Argentina. Muchas gracias Jose.
  
  JMC: Muchas gracias por venir.
• Entrevista Televisiva en "Click Television", Canal Ciudad de Mar del Plata, Jueves 14 de Junio, 2007. http://www.youtube.com/watch?v=AAPh7PE75fU

“Hablar de un solo criterio artístico es ser fascista” - 24/10/2006

• “Hablar de un solo criterio artístico es ser fascista”
  
  El plástico marplatense José María Casas expondrá en Nueva York el próximo mes y luego viajará hacia Italia, también para mostrar su obra. Reflexiones sobre cómo proyectarse en el mundo del arte.
  
  por Agustín Marangoni
  
  El periodismo gráfico se construye con palabras, siempre a partir de una noticia. Sería imposible pensar en un periodismo gráfico abstracto, porque no habría línea de referencia con el suceso a narrar, además de que se perdería el objetivo primero: informar con un fin social. Es probable que se esté hablando aquí de literatura, entendida en su definición más amplia.
  Es entonces evidente que cuando están las palabras de por medio las primeras aproximaciones gnoseológicas surjen mediante un lenguaje sencillamente identificable. La búsqueda del sentido es casi inmediata, aunque las interpretaciones puedan ser múltiples. Muy distinto es el campo del arte plástico. Las imágenes no encierran a la realidad en palabras, sino que apelan a la morfología y al trabajo cromático para presentar una situación, determinada o no. Lo mismo da.
  Dentro de esta exploración semántica, donde pocos criterios pueden erigirse con solidez absoluta, se ubica la obra pictórica del artista marplatense José María Casas. Un joven de 25 años que rápido se aburre de ser él mismo. Sus cuadros son distintas personas, aunque tal vez él no es ninguna de ellas. Sus telas y sus figuras esquivan el encasillamiento categórico, varían con el tiempo. Igual que un pomo de óleo destapado que se va secando a medida que avanzan los días. En su obra completa aparecen destellos de naturalismo que luego fueron mutando hacia el cubismo y el expresionismo abstracto. Todo este globo de escuelas también fue arrastrando cambios técnicos que aparecieron junto con las nuevas lecturas. Él mismo le atribuye a Jacques Lacán varias ideas que luego plasmó en lienzos blancos.
  El 21 de octubre, Casas viajará a Chelsea (Nueva York) para exponer en una muestra colectiva de arte latinoamericano. Y a los pocos días, exactamente el 16 de noviembre, se deslizará hacia Italia para mostrar otra serie de cuadros en Castello Estense, un castillo ubicado en Ferrara.
  Su taller está montado en una terraza devenida en altillo, por encima de una galería de oficinas jurídicas. Las paredes están pintadas de blanco, a pesar de que casi no hay lugares libres. Cada 15 centímetros, simétricamente ubicadas y con una iluminación digna de una sala de exposiciones, hay colgadas piezas suyas. Todo el lugar está ordenado con meticulosidad, no hay un solo pincel fuera de lugar y curiosamente no hay tampoco una mínima mancha de pintura en ningún lado. “Antes tenía todos los cuadros en mi habitación, pero era imposible guardarlos todos ahí. Entonces armé este taller, donde puedo colgar y ver bien lo que hago, es una de las claves que me han enseñado en los distintos seminarios que hice para poder analizarme. Por eso este lugar”, señala.
  
  - ¿Ya enviaste las obras a Nueva York?
  - Sí, son cuatro. Una hecha en espátula; una en acrílico y dos paisajes surrealistas abstractos.
  - ¿Cómo surgió la posibilidad de exponer allá?
  - Por Internet. Es una herramienta a la cual hay que hacerle un monumento.
  - ¿Cómo es la organización de una muestra de esta magnitud?
  - Son muy prolijos en todo. Por ejemplo, para que te acepten, en lugar de enviarles un book por correo, las galerías tienen páginas web donde podés cargar datos personales e imágenes. A ellos les llega todo armado digitalmente, acorde a lo que vos querés mostrar. Luego deciden si te invitan.
  - ¿Es caro, desde Mar del Plata, salir a exponer hoy al extranjero?
  - Sí, mandar las obras es caro. Y más en este caso que hay que mandarlas armadas, con el marco y todo. Tuve que enviarlas un mes antes y eso es un costo grande. Tuve que contratar una empresa especializada en envíos de piezas de arte, además de los permisos para sacar las obras del país, aduana allá y acá… es todo muy largo. Y si algo se vende allá, también es todo un tema. Hay porcentajes para el Estado… se hace engorroso.
  - En el caso de que haya obras que no se vendan ¿Las traés o las dejás alla?
  - Definitivamente quedan allá. Voy a salir a buscar galerías para que se las queden y las expongan. Además de eso, quiero también recorrer muestras de expresionismo abstracto en Nueva York. Eso me enriquece más que cualquier otra cosa. Hacer contactos, conocer artistas…
  - Si no existiría Internet sería muy difícil tener una oportunidad de este estilo…
  - Sí. Aunque hay otras formas, está la suerte de ganar un concurso, utilizar estrategias violentas de marketing, inflarte en una subasta, pero son todas situaciones forzadas.
  - ¿Cuántas obras llevás a Italia?
  - A Ferrara llevo tres, que se expondrán en un castillo. La curadora de esa muestra sugiere que lo abstracto tiene mucho que ver con la magia, entonces decidió utilizar un castillo antiguo para armar la exposición. Cosas de las curadoras… (risas).
  - ¿Cómo hace alguien que quiere exponer afuera y no tiene el sustento económico necesario para hacerlo?
  - Es muy complicado. Probablemente la mejor forma sea irse a vivir afuera. Todos los grandes maestros que triunfaron internacionalmente tuvieron que irse y ponerse a pintar afuera. Es áspero ingresar en el mercado si no tenés un nombre. Además, el Estado no fomenta este tipo de intercambios.
  - Hoy las discusiones sobre arte sugieren que en la actualidad hay muchos artistas que llegaron gracias a que supieron venderse, en lugar de llegar por talento. ¿Qué opinás?
  - No lo dudo. Una vez que alguien tiene un producto aceptable, viene el marketing. La diferencia, de ahí en adelante, depende del lugar que ocupás en el mercado.
  -Entonces… ¿Cuál es el criterio para encontrar una verdadera obra de arte?
  - Gusta o no gusta. Después hay cosas técnicas, pero el artista adapta eso a su forma de expresarse, es algo muy personal. La obra que trasciende es la que tiene vida. La que te llega. Poner un solo criterio en el arte sería fascista.
  - ¿Crées que hay un buen nivel artístico en Mar del Plata? ¿Puede llegar a venir un curador de afuera e interesarse por los artistas locales?
  - Hay buen arte acá, lo que pasa es que hay muy pocos que exponen. He visto mejores obras guardadas en tallares personales que en muchas de las exposiciones que he visto. Lo que yo veo es mucha repetición.
  - ¿Por qué creés que pasa eso?
  - Porque dentro del mundo del arte hay una filosofía que te dice que tenés que mostrar quién sos y hacer siempre lo mismo, dentro de la misma línea, para que te identifiquen. En mi caso, como lo primero que hice fueron trabajos en espátula, tendría que seguir haciendo toda la vida eso. A mi no me convence esa postura. Incluso los grandes maestros te sugieren hacer una cosa y seguir en ese camino. Hay muchos que se sienten cómodos con lo que hacen, a mi esa comodidad no me ha durado aún para toda la vida.
  - ¿Estás conforme con el resultado final de tus obras?
  - Sí, claro. Hasta que no me gusta lo que estoy haciendo, no puedo parar de hacerlo. Tengo que estar conforme. Muchas veces los cambios llegaron después de pelearme con una tela, cuando las cosas no iban para donde quería. En esos momentos surge un click que te hace reestructurar todo el campo, como un inside, para dar una vuelta de rosca más. Es decir, lo que no me gusta trato de llevarlo hacia los cambios.
• Entrevista en el Semanario "El Marplatense", Martes 24 de Octubre/2006, Pag 21.

“No me gustan los artistas que se repiten” - 29/08/2005

• “No me gustan los artistas que se repiten”
  
  29.08 El artista José María Casas inaugura hoy una muestra de óleos, acrílicos y acuarelas en el Colegio de Abogados. Una nueva dimensión dentro de lo abstracto.
  
  
  El plástico marplatense José María Casas inaugurará hoy, a partir de las 18, una muestra que estará integrada por 15 obras, todas de reciente realización. El espacio del Colegio de Abogados (Brown 1958) estará dividido en tres secciones. En la primera habrá dos oleos del 2004. En la segunda, 5 acuarelas, 3 acrílicos, y 1 obra en técnica mixta (acrílico y acuarela). Todas realizadas sobre papel, que no habían podido ser expuestas hasta ahora. Y en la tercera parte, habrá 4 acrílicos, que junto con las obras del espacio número dos formarán parte de un juego experimental basado en técnica mixtas.
  
  Según explica Casas, sus producciones se ubican dentro de un espectro que podría definirse como expresionismo-abstracto-conceptual con influencias minimalistas. Él utiliza el blanco de la tela, no como fondo por sobre el que se emplazan las formas, sino como parte esencial e integrante de la composición. Se destacan a lo largo de su obra las nociones de espacialidad e intensidad como unificadoras de sus variados lenguajes.
  
  ¿Cuál va a ser el concepto de la muestra?
  Al igual que mis anteriores muestras, esta no tiene un concepto en sí. Mas de una vez se me ha recomendado focalizarme en uno de los 4 o 5 lenguajes, relativamente personales que manejo. La idea tras esta sugerencia es que uno debería hacer siempre lo mismo para que al verlo la gente pudiera decir "este es un Casas" (teoría de la "marca" personal). A la manera en que yo veo las cosas eso sería algo soberanamente aburrido, y poco coherente con mi persona.
  
  Un forma de renovarse constantemente…
  Así como no me gusta entrar en una muestra y ver como una brillante idea se ve desmaterializada en una sucesiva repetición que intenta abarcar ad-infinitun todas las combinatorias posibles de los mismos elementos. Tampoco disfruto haciéndolo a la hora de pintar. No me gusta ni me atrae hacer siempre lo mismo. Y de hacerlo el aburrimiento dejaría lugar a otra actividad que me pareciera mas viva e interesante que alabar a la monotonía por medio de la pintura.
  
  Aunque hay elementos que regresan…
  Es cierto que hay temas, formas, y colores que luego de un tiempo se vuelven refinadas. Pero mi producción se caracteriza por un vaivén espiralado entre 5 o 6 lenguajes, que aunque distintos, poseen ciertas notas en común (intensidad y espacialidad por ejemplo). Y los cuales no sólo se integran y complementan, sino que con cada retorno me sorprenden al lograr algo nuevo y superador de lo ya elaborado . Por lo tanto en mis muestras intento ser fiel a ese estilo, a esa forma personal con la que trabajo, y mostrarla. Por lo tanto en vez de un concepto o una idea, se encuentra la diversidad esperable y característica del autor. Quizás tan caótica para algunos como aburrida para mi la monotonía. Y no los juzgo, cada uno tiene sus preferencias. Lo triste es que pretendan la universalidad de estas.
  
  ¿Cómo fue el trabajo de selección de las obras a exponer?
  Seleccione de mis últimos trabajos, respetando el conjunto de obras que me resultaba más placentero visual y emocionalmente. Aclaro este punto ya que tambián es central en lo que hago: mi pintura no persigue representar imágenes, al menos no una imaginería real (aunque puedan encontrarse formas en ellas), sino que intenta estampar-reflejar-inducir-crear estados emocionales, sensaciones, etc. Una ves seleccionado un grupo de unas 18 obras viene la etapa del armado, en la cual las re-seleccione al realizar la curaduráa de manera que vibren y se realcen entre sí. Hay obras que pueden a uno gustarle mucho, pero que en relación con el conjunto se deslucen y hay que guardarlas para más adelante.
  
  ¿Cuál es tu búsqueda como artista?
  Por un lado dejarme ser y fluir. Es una actividad que realizo por el placer mismo que siento al concluir una obra… ese estado de plenitud y completud absorta en el cual no hay tiempo ni espacio mas allá del instante que se está viviendo (al que algunos han denominado experiencia cumbre). Por otro, aunque relacionado con lo anterior, la liberación de las estructuras que nos son impuestas y que atan y limitan nuestra imaginación y el libre pensar.
  
  ¿Cuáles son las cosas que te movilizan?
  Lo humano.. la existencia. Mi pintura fluye desde lo que me toca vivir todos los días, y depende de la intensidad y profundidad emocional de dicha experiencia. Si existe una constante en mi obra es la de que a momentos intensos (ya sean buenos o malos) siguen obras intensas… a momentos de cambio y renovación… le sigue lo mismo en mi pintura. Como ya se ha dicho mas de mil veces.. uno es hijo del tiempo en el que vive, y al menos en mi caso.. es algo que se nota.
  
  Exponés en distintos lugares del país. ¿Cómo sentís este crecimiento que estás teniendo?
  Lo disfruto mucho, es muy lindo poder recorrer lugares mas chicos que Mar del Plata o Buenos Aires. En ellos la gente se acerca a las muestras espontáneamente y con una actitud y mentalidad mucho más abiertas. Cero Snobismo de su parte, y Cero necesidad por parte de uno de andar pegando afiches, haciendo marketing, y llamando a todo el mundo para que se acuerde de hacerse un lugarcito en la agenda para ir a tu muestra.
  Es todo mucho más natural y espontáneo. Exponés y las radios y la tv te invitan a ir sin pedirte nada a cambio. La gente se acerca y te podes colgar hablando horas y horas de igual a igual. La gente mayor te comparte sus experiencias para que tomes lo que te sirva en lugar de querer dictarte cátedra. Es algo muy humano y muy agradable que lamentablemente en las grandes ciudades se pierde.
  
  Además… uno conoce a muchos artistas
  Es muy sorprendente. Muestra tras muestra uno se va dando cuenta que el número de pintores es 100 mil veces superior al que se imaginaba. Y que, reconfortablemente, la mayoría de ellos también lo hacen porque les gusta: refutando esa gran falacia, pecado del reduccionismo sociológico, de que uno se debe a su publico. Triste destino le espera a quien coja la senda impuesta por los otros en lugar de la suya propia.
  
  ¿Vivís del arte plástico? ¿Es difícil encontrar un lugar en el mundo del arte para poder vivir de eso?
  ¿Me puedo reir sin que se ofendan? No la verdad es que no vivo de esto. Es algo que, como ya dije antes, hago porque me gusta y que sólo en este último tiempo se fue tornando "serio" por de alguna manera llamarlo. Pero eso algo que se fue dando solo.. no fue buscado.. y eso es lo que le da su encanto tan particular.
  En otra entrevista lo llame "hobbie" para diferenciarlo del trabajo alienado y forzado de hoy en día. Obviamente seria muy bueno poder vivir de esto, pero también tiene sus riesgos ya que impone limitaciones.. hoy soy libre de hacer lo que quiera.. si viviera de esto no seria de extrañar que algún día me encontrara en la disyuntiva entre no comer o tranzar y hacer lo que otros me piden. Y obviamente la pintura perdería toda esa magia que tiene para mi.
  
  ¿Qué opinás del mundo del arte en términos comerciales?
  En cuanto al mundo del arte: lamentablemente es un mundo muy enfermo y comercializado, en lo que no se diferencia en nada de los demás mundos. En él no se trata de cuan buena sea la obra, ya que alcanzado cierto nivel de perfección-autenticidad-expresividad-u-originalidad (para dar lugar a las distintas visiones posibles a la hora de valorar una obra) sólo el buen marketing o ganar un gran premio permite dar el salto velozmente. Cuando uno acostumbrado a exponer gratis llega a la gran esponja, Buenos Aires, se encuentra con una elite de intermediarios más interesados en los currículums y credenciales que en la obra en sí. Podés ser Dalí, que no es mi caso, y lamentablemente es difícil que esta gente lo note si no tenés un largo prontuario. Lamentablemente ese prontuario suele ser pago: las galerías son pagas, las criticas son pagas, las notas en revistas son pagas, etc etc etc.
  
  Es sorprendente lo de las credenciales…
  Lamentablemente en Argentina muchos salones son premios a la trayectoria. El hecho del pedido de credenciales denota una incapacidad absoluta a la hora de digerir y juzgar las obras por uno mismo. Para cerrar el punto me gustaría aclarar que este "mundo" de arte es solo el "mercado" del arte. Lo justo seria que al hablar de mundo del arte uno tuviera en consideración a todos los que lo hacemos y hablara de ellos, y no de los intermediarios que jamás han aportado nada bueno al mismo. Hijo de ellos es la actual confusión: en la cual los discursos que han creado, para legitimizarse en su lugar de poder, se imponen al autor y al publico como universales absolutos a seguir.
  
  ¿Vendés algo de lo que hacés en Mar del Plata o las ventas se concretan más en Capital u otras ciudades?
  Hasta ahora mi mejor mercado siempre ha sido Internet, tengo obras en Chile, Tailandia, España, y algunas ventas frustradas a USA y UK. Lamentablemente este tipo de ventas se ven obstruidas por la legislación nacional, que considera patrimonio nacional tanto la obra del autor muerto (la cual hay que resguardar) como la del vivo, obstaculizándole así las ventas. El cual para sacar su obra del pais tiene que pedir autorización a la presidencia de la nación, y luego contratar despachante de aduanas y un transporte especial, lo que eleva el envió muy por encima del precio de la obra.
  La otra opción es enviarlas en tubo como si fueran papeles, planos, etc. Metodología ilegal pero "obligada" ya que ningún comprador pagaría un envió más que la obra que esta comprando.
  En cuanto a Argentina por ahora vendi principalmente en Mar del Plata, y muy poco en Buenos Aires.
  
  La muestra de José María Casas estará abierta hasta el 30 de Septiembre
• Entrevista por Agustin Marangoni en el portal "Ciudad Abstracta", Mar del Plata, 29 de Agosto/2005.

"Arte Abstracto con un Sello Personal" - 06/06/2005

• Exposición de José María Casas
  
  Museo Mulazzi: arte abstracto con un sello personal
  
  Bajo el seudónimo de "Two", el joven marplatense José María Casas llevó sus creaciones en los úlitmos años a diversos lugares de su ciudad, de la capital federal y de otros lugares de la provincia; incluso, obtuvo una mención de honor en el XIV Salón Internacional ACEAS de Barcelona, España, en junio de 2004.
  
  El viernes se concretó la apertura de su primera muestra en nuestra ciudad, que hasta el 15 de junio permanecerá habilitada en la Sala Ismael Jaka del Museo Mulazzi. "Es una selección de 12 obras que se ubican en un espectro abstracto expresionista. Es abstracto, pero no geométrico, busca expresar emociones", indicó.
  
  Casas comenzó a pintar en 1993, si bien "las primeras exposiciones las realicé en 2001". Y puntualizó que el avance de su carrera "se fue dando de a poco. El año pasado estuve exponiendo en la capital federal y en diversos lugares de Mar del Plata. También tuve la oportunidad de presentar obras en Monte Hermoso".
  
  Entre otros conceptos, afirmó: "no me gusta repetir las obras, mostrar dos veces lo mismo. Si uno se queda solamente en su ciudad o se va a la gran esponja que es Buenos Aires, muestra los trabajos una vez y después se los queda o los vende. Al recorrer varias ciudades, las posibilidades de exponer son distintas". Dejó en claro que "no es una exposición fija, voy mezclando distintos trabajos y siempre trato de llevar lo mejor que tengo a cada lugar que voy".
  
  En cuanto al contacto con el público tresarroyense, sostuvo que "de acuerdo a lo que dijeron quienes asistieron en el primer día, la muestra gustó bastante. Me dijeron que no era geométrico, frío, un abstracto distinto".
  
  Por último, Casas hizo referencia a la formación artística. "Es una praxis. Se debe practicar e innovar nuevas técnicas. No están todas las técnicas escritas y los grandes maestros las fueron descubriendo. Creo que no hay límites, se puede innovar constantemente", concluyó.
• Entrevista por el Diario "La Voz del Pueblo", Tres Arroyos, Lunes 6 de Junio/2005, Pag 12.

Entrevista en "Conociendonos" - 20/03/2004

• Dr. Bonoris - Jose Maria buenas noches, un gusto tenerte con nosotros. Sabes que nosotros invitamos a nuestros artistas para conocerlos no cierto, porque las obras a través de ellas las conocemos, pero no la personalidad. Sos muy joven que edad tenes?
  
  Jose M. Casas - 23 años.
  
  Dr. Bonoris - 23 años, y en la pintura desde cuando Jose?
  
  Jose M. Casas - Desde el `93, o sea que tenia 11, 12 años.
  
  Dr. Bonoris - Vale decir que ya estamos en los 10 años largos de pintura.
  
  Jose M. Casas - Y mas o menos porque tuve un impas de unos 2 años aproximadamente en los que había dejado de pintar.
  
  Dr. Bonoris - Una vocación? aprendiste? como nace tu integración con la pintura?
  
  Jose M. Casas - Estaba haciendo cerámica, después empecé con dibujo y me ofrecieron de probar el óleo y realmente me atrajo. Automáticamente. Fue como un amor. Y bueno seguí pintando, pero siempre como un hobbie, no como algo que "bueno hago esto y nada mas". En realidad estoy estudiando psicología, estoy en 3er año de la carrera.
  
  Dr. Bonoris - Y en estos años de aprendizaje y desarrollo has notado un crecimiento en tu pintura? porque que empezas a investigar no cierto? si te gusta algún material entras a...
  
  Jose M. Casas - Siempre vas descubriendo nuevas formas de utilizarlos, las combinaciones de colores que por mas uno que sepa bueno este lo mezclo y pasa tal cosa, por ahi al ir probando van surgiendo nuevas cosas que uno ni pensó que iba a descubrir.
  
  Dr. Bonoris - Que no están en la literatura no?
  
  Jose M. Casas - Además las ideas que uno quiere hacer te fuerzan a ir experimentando cosas nuevas, a descubrir nuevas formas de hacerlas.
  
  Dr. Bonoris - Que tiempo le dedicas a la pintura? porque me decís que estas estudiando no cierto?
  
  Jose M. Casas - Si, en esta segunda etapa primero empecé a pintar solo, que es del 2000 en adelante, y después logramos que Marcela Angera, que era mi profesora, reabriera el taller. Esta aprendiendo mi prima, y yo voy y pinto. O sea voy a pintar más que nada, no estoy tomando clase, pero voy pinto, toma mate, etc, y son 2 o 3hs más o menos, 2 veces por semana. Es para tener un lugar, para no ensuciar en casa, ni nada. Y por lo general se terminan transformando en 5hs, hasta que termino el cuadro, me gusta siempre terminarlo en el día.
  
  Dr. Bonoris - Cuantas obras tenes en esta muestra de Cabrales?
  
  Jose M. Casas - En esta muestra 20.
  
  Dr. Bonoris - 20.
  
  Jose M. Casas - Y en total son 83 las que tengo.
  
  Dr. Bonoris - Y en este caso de la muestra? elegiste entre tus obras o te preparaste para la muestra?
  
  Jose M. Casas - Elegí entre mis obras, hay ciertas.. hay algunas a las que uno les tiene como.. les tiene mas aprecio, son mas lindas.
  
  Dr. Bonoris - Esta es la primera muestra que hacías o ya hiciste otras?
  
  Jose M. Casas - Hice una en el Colegio de Abogados el año pasado no, el otro, en el 2002. Expuse 12 obras, pero fue sin vermisage, o sea estaban colgadas, la gente las veía pero no tuvo..
  
  Dr. Bonoris - No tuvo el anuncio..
  
  Jose M. Casas - .. en el mundo artístico no tuvo repercusión.
  
  Dr. Bonoris - En esta preparación, o en esta selección que vos has hecho de tus obras generalmente aparece la intención del artista. Algunos exponen para que el observador saque su juicio de valor sobre la obra, otros dicen expresar un mensaje en la obra, o se manifiestan a través del color, a través de la forma. En el caso de Jose Maria Casas que es lo que prevalece en la pintura de una obra?
  
  Jose M. Casas - Y cuando pinto lo que trato es de trasmitir las emo.., no se si trasmitir, de plasmar en la tela las emociones que tengo en ese momento. Pero cuando expongo lo que hago es compartir lo que creo, lo que me gusta. O sea lo que me gusta a mi me gusta compartirlo con los demás.
  
  Dr. Bonoris - Y escuchas la critica
  
  Jose M. Casas - Si.
  
  Dr. Bonoris - Te gusta?
  
  Jose M. Casas - Si, Si.
  
  Dr. Bonoris - Duele a veces? o..
  
  Jose M. Casas - No porque en realidad para mi la pintura es "o te gusta o no te gusta". Hay gente que es estructurada. Y sobre todo el tipo de pintura que hago yo al que es estructurado no le va a gustar porque por ejemplo me gusta jugar con los fondos en blanco como una parte negativa de la tela, usarlo como un color mas, y hay gente para la que eso es "la obra no esta terminada".
  
  Dr. Bonoris - Aha
  
  Jose M. Casas - Y el que no esta dispuesto a abrir la mente a ese tipo de cosas va a decir que es horrible, etc. Pero es tratar de ir más allá y hacer algo nuevo no? Porque si no es siempre lo mismo.
  
  Dr. Bonoris - Y implica un desafió ese colocarse frente a la critica sabiendo que ante el estructurado vas a tener esa respuesta?
  
  Jose M. Casas - No, porque si uno sabe lo que hace no tiene porque.. o sea, si se que el que lo dice, lo dice porque no logra romper sus limites no me molesta. Y el que me critica con fundamentos bienvenida sea la crítica.
  
  Dr. Bonoris - Claro.
  
  Jose M. Casas - Siempre se aprende.
  
  Dr. Bonoris - Vale decir que para vos no hay parámetros en la pintura que te impidan o te encasillen en una determinada forma, no cierto?.
  
  Jose M. Casas - No.
  
  Dr. Bonoris - ...todo es libre
  
  Jose M. Casas - Y la idea es ir rompiéndolos.
  
  Dr. Bonoris - Y existen?
  
  Jose M. Casas - Si.
  
  Dr. Bonoris - Y son duros?
  
  Jose M. Casas - Y depende como este uno atado. Cuando uno empieza a pintar realmente esta ante la tela y dice "que hago yo acá si no soy Picaso", que es lo que le pasa a la mayoría de la gente y termina no haciendo nada. Creo que gran parte de la poca cantidad de artistas que hay, es porque la gente tiene miedo a animarse a crear, a soltarse.
  
  Dr. Bonoris - Jose Maria reiteramos entonces, estas exponiendo en Cabrales Alberti hasta el 11 de Marzo.
  
  Jose M. Casas - Y después en el Paseo Diagonal Local 3, en Gap, hay cuatro cuadros que los voy rotando una ves al mes.
  
  Dr. Bonoris - Te agradecemos la visita y que tengas éxito en esta muestra que concluye el 11.
  
  Jose M. Casas - Gracias.
  
  Dr. Bonoris - Muchas gracias hacemos una pausa y continuamos.
• Entrevista Televisiva en el programa "Conociendonos", Canal 2 de Mar del Plata, Miercoles 20 de Marzo/2004.